Saturday, June 17, 2017

Ecosofia



“La verdadera respuesta a la crisis ecológica sólo podrá hacerse a escala planetaria y a condición de que se realice una auténtica revolución política, social y cultural que reoriente los objetivos de la producción de los bienes materiales e inmateriales” - Felix Guattari
La ecosofía es un modo de estar en el mundo, de percibirlo. Un saber práctico que transforma nuestra conciencia y nos integra a la unidad de la vida, haciendo del sujeto-objeto-medio un continuo. Es también una ampliación de nuestra sensibilidad que implica un cambio de perspectiva, absolutamente necesario para superar las aparentes contradicciones que nos rodean. Como ves, no puede ser otra cosa que una profunda filosofía, un saber habérselas con las incertidumbres que nos depara la complejidad de nuestra existencia. Por eso, hablar del saber ecosófico es hablar también de buena educación, la que nos ayuda a autorrealizarnos en un medio respetuoso y responsable con las lógicas de lo vivo.

La ecosofía no descubre nada que no haya alrededor. Más bien lo reinterpreta, lo traduce en otro lenguaje, nos muestra una nueva visión sobre lo ya existente. Toma como base la ecología más profunda y nos ofrece una mirada en la que la tierra es nuestra casa y nosotros sus huéspedes temporales. Vivir la ecosofía se traduce, pues, en saber habitar el planeta, a retomar nuestro entorno y dotarlo de auténtica vida. Ello abarca desde el cuidado de un bosque, o de un animal, hasta la renovación de nuestras relaciones y pensamientos.

¿Por qué no queremos nuestro planeta? Aveces me pregunto. Si es nuestro hogar, nuestro refugio. Nuestra cuna de la cual nunca salimos y nunca lo haremos. 

Me incluyo en la pregunta. al dejar por ejemplo el agua corriendo mientras me cepillo los dientes.
Existen muchas acciones que probablemente hacemos día a día que dañan a nuestro planeta, sin intención o con intención.

Si damos un paso más allá de la ecología nos podemos encontrar con algo diferente, un nuevo espacio conocido como ecosofía. Una manera de pensar y de actuar que supera nuestro antropocentrismo para vivir en concordancia con la naturaleza. Gracias a esta filosofía nos daremos cuenta que pueden contaminar más nuestras palabras y pensamientos que la basura que generamos.

Si compartimos el conocimiento de que la tierra es un ser vivo que se autorregula, y aplicamos a ello la máxima filosófica que dice que ‘como es arriba es abajo’, lo lógico es pensar que nosotros funcionamos igual que el planeta y podemos autorregularnos. Sin embargo nuestra vida es una mezcla de estrés, dificultad para relacionarnos con nuestros semejantes y nuestro entorno, múltiples enfermedades psicosomáticas generadas por nuestra mente, pensamientos negativos, falta de realización en el trabajo... Y ante ello mucha apatía y poca acción. Algo que precisamente es el gran enemigo de esta nueva ciencia, porque "sin unir el conocimiento a la acción personal simplemente no será ecosofía . Acumular conocimiento no significa sabiduría. Ese es el giro que se pretende, la emergencia de un nuevo estado de conciencia que permita la autorrealización, el permanecer en la existencia dotándola de sentido". El futuro se presenta desde esta ecología profunda como esperanzador, porque pone en nuestras manos la posibilidad de un cambio de rumbo.



fuente: Fusión

7000 Robles por Joseph Beuys

Joseph Beuys, artista, profesor y activista político alemán. Nació en Krefeld el 12 de mayo de 1921. Con diecisiete años forma parte de las juventudes hitlerianas en el ejército del aire. Su trabajo aborda disciplinas tan aparentemente disímiles como la filosofía, ecología, política, arte, música, teatro, sociología, escultura, dibujo, video, poesía y otros en una amalgama diversa, rica y significante. 



Es un ejercicio muy saludable pensar cada acto como obra de arte. Beuys lo llevó a la práctica de muchas maneras. En Documenta 7, celebrada en 1982, propuso plantar 7000 robles, cada uno junto a una columna de basalto. Su acción tardó cinco años en completarse –se terminó un año después de su muerte, ocurrida en 1986- y transformó el panorama visual de la ciudad de Kassel.

Como en muchas otras instalaciones de Beuys, la obra hace coexistir dos texturas muy diferentes. En este caso, el árbol y el bloque de basalto. Gracias a los robles, la escultura se inserta en el ambiente, altera el espacio urbanístico –fue necesario diseñar dónde habrían de sembrarse- y se convierte en parte de la naturaleza. Gracias a las piezas de basalto, se conserva el evento como monumento. Las pequeñas columnas recuerdan la acción de Beuys, implican la idea de estar en presencia de una obra de arte e invitan a contemplar de un modo diferente el entorno. Sobre todo, los bloques de piedra funcionan como marcas que intentan propagar la conciencia sobre la necesidad de la repoblación forestal. 


La plantación de siete mil árboles de roble es sólo un comienzo simbólico. En este caso una columna de basalto metas futuras para el proyecto incluyen:

A) un esquema permanente de árbol la siembra se extienda por todo el mundo como parte de una misión global para efectuar el cambio ambiental y social "con el propósito de las actividades educativas

B) un crecimiento de la conciencia en el entorno urbano de la dependencia humana de la extensión educativa más grande de los ecosistemas

y C) un proceso continuo mediante el cual la sociedad se puede activar por medio de escultura social voluntad creadora humana 

Obras y actuaciones de arte Beuys no son acerca de entretener y divertir al público. Es un mensaje de despertar de la tradición, un reconocimiento de la totalidad sobre la base de un nuevo concepto de belleza que va más allá de la gratificación instantánea.


Yo no sólo quiero estimular a la gente, quiero provocarlos." (Bastian, Heines y Jeannot Simmental, "Entrevista con Joseph Beuys," en el catálogo de la exposición, Joseph Beuys, Dibujos, Victoria and Albert Museum, Westerham Press, 1983, sin folio)
Es un movimiento de la tradición, la espera y el establecido para una apertura incluyente. Completado en 1987 por su hijo, Wenzel, en el primer aniversario de la muerte de su padre (y se incluye en la Documenta 8), el proyecto está siendo mantenido por la ciudad.
  
Kassel hoy en día

fuente: Art Experience NYC

Beuys implicaba el arte con la vida: llevar el arte más allá de las galerías, desvanecer la importancia de la obra como objeto y proponer la construcción de un proceso colectivo como la obra misma. Su última obra, 7000 robles, logró convertirse en lo que él llamaba escultura social. Además, Beuys entendió el arte como sanación. En su obra hay un simbolismo ritual que funciona para intentar transmitir lo que no puede ser transmitido.

Crea conciencia ambiental. El autor dice que no quería proyectar un sentimiento a las personas, si no la grandeza de los robles, su solidez, su crecimiento lento con un tipo de madera muy sólida.
Las personas que pudieron apreciar la obra en dicho tiempo, sintieron  una expresión de futuro, que sea un esquema permanente, que la siembra de árboles se extienda por todo el mundo como parte de una misión globlal para efectuar un cambio ambiental y social.
Joseph quería provocar que las personas piensen, vean más allá, que no sea solo un detalle más para lasciudad, sino pensar en un mañana, en un ambiente sano para las próximas generaciones.

Keiichi Tahara


Fotógrafo japonés (nacido el 20 de agosto de 1951 en Tokio) muy reconocido por su fotografía de arquitectura y por sus esculturas de luz

Keiichi Tahara aprendió la técnica fotografía desde pequeño al lado de su abuelo, que era fotógrafo profesional.

En 1972, mientras viajaba por Europa con el Red Buddha Theater, donde era técnico de iluminación y visual, se encontró en Francia con una luz fuerte, dura y penetrante que nunca había experimentado en Japón y se quedó en París 30 años, comenzando su carrera como fotógrafo.

En su primera serie de trabajo Ville (1973-1976) capturó la luz única en París en fotografía en blanco y negro. Su siguiente serie Fenetre (1973-1980) le consiguió el premio al mejor nuevo fotógrafo en el Festival Internacional de Fotografía de Arles en 1977. Después siguieron Portrait (1978), Eclat (1979-1983) y Polaroid (1984) consiguiendo diversos premios incluido el Ihei Kimura en 1985. En Homo Loquence (1983) hizo retratos y entrevistas a artistas como Joseph Beuys y Pierre Klossowski. En 1988 obtuvo el Prix Nicéphore Niépce y en 1993 fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres en Francia.

Su enfoque morfológico a la luz se extendió a la escultura, las instalaciones, … En 1993, en el foso del Castillo de Angers, instaló la primera escultura de luz en Francia, Fighting the Dragon. Su obra más representativa es Jardín de Luz (Eniwa, Hokkaido, 1989), donde esculturas de luz están instaladas en un espacio público que está cubierto por un metro de nieve seis meses al año. La luz cambias en respuesta a la música y presenta un espacio de dimensiones poéticas.



Basado en el mismo concepto, en el año 2000, Echos du Lumières se instaló en el canal Saint-Martin, en París. Espectaculares colores emergentes de prismas iluminan la pared de piedra sincronizados con el sonidos.

Otras instalaciones permanentes al aire libre son Niwa (Jardín) en la Maison Européenne de la Photographie en París en 2001, la instalación Portrail de Lumiere como parte de la Capital Europea de la Cultura Lille 2004, y Escultura de luz en el Museo de Arte Metropolitano Teien de Tokio en 2004.

fuente: Cada día un fotógrafo 

Un particular y muy bien logrado blanco y negro en sus fotos me llama la atención. Y me encanta. La mayoría de sus fotos lo tiene y crea una atmósfera muy especial. Su forma de trabajar con las luces, sombras. Mostrar y no mostrar a la vez. 

Keichii Tahara muere este pasado 6 de Junio.




Gracias a Violeta, que nos dio tanto




El 5 de febrero de 1967, Violeta Parra se suicidó. Las razones tal vez nunca se sepan, pero su legado artístico permanecerá por siempre.

Violeta Parra es considerada un referente de la música popular chilena y que logró proyectarse al mundo. Cantante, poetisa, compositora, pintora, escultora, bordadora, ceramista y madre de cuatro hijos.

Desde pequeña se inició en el canto y en 1942 obtuvo el primer lugar en un concurso organizado en el Teatro Baquedano.

Viajó por todo el país y estuvo en contacto con la realidad social. Asumió la izquierda como postura política y se dedicó a indagar en las raíces de la música popular.

En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile y las comunidades mineras y recolectó las canciones anónimas que proyectó en un programa radial. Dos años después fue galardonada con el premio Caupolicán y ese mismo año contrajo matrimonio con Luis Arce.




Violeta viajó por varios países de Europa en la década de los 50 y a su regreso pasó por Francia donde grabó temas del folclore de Chile para el sello musical Le Chant Du Monde.

En 1964 logró una marca histórica al convertirse en la primera latinoamericana en exponer individualmente una serie de sus arpilleras, óleos y esculturas en alambre en el Museo de Artes Decorativas del Palacio del Louvre en una muestra titulada "Tapices de Violeta Parra"

En junio de 1965, Violeta regresó a Chile. A fines de ese año, en la esquina de avenida La Cañada con Toro Zambrano en la comuna de La Reina, instaló una gran carpa con el plan de convertirla en un importante centro de cultura folclórica, junto con sus hijos Ángel e Isabel y los folcloristas Rolando Alarcón, Víctor Jara y Patricio Manns, entre otros. Pese a su sueño de convertir la carpa en un referente para la cultura de Chile, la respuesta no fue muy motivadora y el público no la apoyó.



La muerte de Violeta Parra sorprendió a su familia y al mundo. Jamás imaginaron que la autora del tema “Gracias a la vida” se suicidaría.


archivo fotográfico: Taringa

“Me falta algo, no sé qué es. Lo busco y no lo encuentro. Seguramente no lo hallaré jamás”, manifestó Violeta a un periodista luego del lanzamiento de su último disco.

El 5 de febrero de 1967 Violeta Parra uso un revólver para quitarse la vida, algunos aseguran que fue víctima de una profunda depresión.

Gracias a la vida... un mensaje que quizás ocultaba algo más allá. Nadie pensó que Violeta se nos iría. Como el caso del fotógrafo Javier Perez, que fue tuvo la oportunidad de retratar a Violeta Parra días antes de su muerte. Donde ella le muestra, por primera vez y antes de hacer publica, su canción gracias a la vida.

Gracias a tí Violeta por tanto. Gracias por tu arte.




"Yo eligiría quedarme con la gente, es la gente la que me motiva a hacer todas estas cosas".




Caminata nocturna, Fray Andresito y más

En la última clase de estética salimos con el profe y los compañeros a caminar por ahí. La idea de salir a terreno me entusiasmó bastante (si es que no fui yo la que se lo propuso al profe) porque los alrededores de Arcos son lugares bien bonitos. Aunque de noche todo sea completamente distinto.

Siempre he pensado en el circo que comienza cuando termina la luz de día en la ciudad. Es como si todo cambiase, la gente, los colores, las voces y los sonidos.

Caminamos por San Antonio en dirección al norte. Hacía un frío horrible. Cabe destacar que yo pensaba que me gustaba el invierno pero ya no. Después de haber vivido en Canadá un invierno con temperaturas que no subían los -15 yo creía que el invierno de acá no me iba a hacer ni cosquillas... muy equivocada estaba porque no hallaba la hora en que llegaramos a un destino con calefacción inluida.

Vimos una escena muy bonita de unas palomas descansando en una ventana en un segundo piso. Sería una linda foto. El profe dijo. Lamentablemente no pude sacarla porque no andaba con mi cámara. Además creo que necesitaba un trípode.

Cruzamos el Río Mapocho. Mucha gente. Muchas culturas también. No entiendo a los Chilenos que palabrean a extranjeros mandándolos a su país. Que básicos. Que verguenza me dan.

Avanzamos más y ahora vamos con destino a una iglesia: La Recoleta Franciscana.

Nunca había entrado anteriormente, solo había pasado por afuera un par de veces caminando y en micro. El profe dijo que estaba abierta así que rápidamente entramos. Digo rápido porque creo que estaba corriendo mucho viento y teníamos frío. Al menos yo.

Era grande. Más de lo que pensaba. Porque las iglesias/catedrales siempre se ven gigantes por fuera y son aún más grande por dentro. Había gente. Estaban en misa.

Yo respeto todas las religiones. Creo que a mis 21 años aún no puedo definir bien mis creencias personales. Creo en mí, más que en nadie obviamente.

No me considero atea, pero tampoco religiosa. Mis papás tampoco lo son, nunca me bauticé ni hice la primera comunión ni esas niñerías que se hacen cuando uno es más chica. Pero si recuerdo haberle pedido a Dios alguna cosa. O decir el típico "gracias a Dios que... blablaba"

Bueno quizá todo este tema de las creencias y religiones tiene para otro post. Acá estamos hablando de nuestro paseo.

Entrando en la iglesia fuimos recibidos por velas. Mi instinto natural me hizo acercarme para tener un Con mis compañeros nos fijamos en las paredes. Todas rayadas y con mensajes, luego, veo en la pared un tal Fray Andresito. ¿Fray Andresito? pregunté, al tiro. Porque me causó mucha risa el "Andresito" y también porque pregunto todo, como una cabrachica, aunque tenga el celu con internet para googlear quien es.

Realmente no supe mucho de su vida, pero si caché que la gente le pide mucho, como a la mayoría de los santos.

Caminamos un poco más, tratamos de ser silenciosos (cosa que no creo que pasó) para no distraer a la gente de su misa. Aunque siento que igual nos odiaron. También me fijé en una escalera muy linda que estaba al otro lado, creo que lejos lo más lindo del interior. Me dieron ganas de subirla pero obvio que era imposible.



Para ser sincera, durante la mayoría de nuestra estadía en la iglesia me dediqué a sacarle fotos a los mensajes escritos en los muros. Y quiero compartir con ustedes algunos de mis favoritos.

"Fray Artesino" <3

nótese el Fran Andresito. Notable el papa Dioh.

Un lindo dibujito.
 ¿Pero quién fue Fray Andresito realmente?

Según la historiadora Araucaria Rojas, “el fraile se llamaba Andrés García Acosta, nació el 10 de enero de 1800 en las Islas Canarias, y desde entonces, su vida de migrante y trabajador, lo hicieron posarse en la Recoleta Franciscana de Santiago en 1839”.

"Cuentan que una vez logró curar a alguien de su ceguera mojándole los párpados con saliva”, cuenta la profesional. Otro de los milagros que se reconocen de él es que un día caminaba por la calle Santa Rosa pidiendo monedas, “cuando de repente un obrero que trabajaba en un andamio, se vino al suelo y Fray Andresito mirándolo le pegó un grito diciendo: ‘¡Despacito, hermano, despacito!’, y el obrero cayó liviano como pluma, salvando ileso”.
Para cargar aún más de misticismo la figura del religioso, la historiadora agrega que “hasta la actualidad su sangre ha permanecido milagrosamente licuada y sin signos de descomposición”.  Y se la adora en hospitales y casas de acogida como símbolo del milagro que puede cambiar nuestras vidas.

Me sorprende la admiración y veneración que tienen este tipo de personas en la religión. Igual sin intención de burla yo me quedo con los mensajitos de la gente. Y quién sabe, quizás en un par de meses iré yo a escribirle a Andresito que me ayude a pasar todos los ramos.

La estética de Cindy Sherman






Cindy Sherman (nacida el 19 de enero de 1959 en Nueva Jersey) nació con el nombre de Cynthia Morris Sherman y es una artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense.

Sherman es una de las representantes más importantes de la fotografía de posguerra en Nueva York, exhibió más de tres décadas de trabajo en el Museo de Arte Moderno.

Artista, fotógrafa, directora de cine estadounidense Al girar la cámara hacia sí misma, Cindy Sherman ha sido una de las fotógrafas más respetadas del siglo XX. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella, sin embargo, estas fotografías no son autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte.

Durante más de 35 años de carrera ha explorado los estereotipos y la cultura estadounidense desde una óptica femenina. Haciéndose pasar por un sinfín de personajes, examinan la construcción de la identidad, la naturaleza de la representación y el artificio de la fotografía. Para crear sus imágenes, asume las múltiples funciones de fotógrafo, modelo, maquilladora, peluquera y estilista.
Ya sea interpretando a una joven profesional, una rubia explosiva, una víctima de la moda, un payaso, o una dama de sociedad de cierta edad, esta implacable y aventurera artista ha creado un cuerpo de obra elocuente y provocador, que resuena profundamente en nuestra cultura visual.










Otro de los artistas que ocupa su propio cuerpo como manera de expresión en el arte. 

¿Algo que quizá va mucho de la mano con la personalidad? Al ver sus fotos me dieron muchas ganas de ir a una tienda de disfraces y vestirme para sacarme fotos. Quizá podría ser la Cindy Sherman chilena del siglo XXI. Jajajaja, bromas. Pero sin duda la performance de esta artista es una de mis favoritas. ¡Cada fotografía pareciera que fuera sacada de una película distinta!

La estrategia de Sherman es tremendamente eficaz: se refiere al tono y la atmósfera del cine negro sin copiar una película o escena en particular. Más aún, sus escenas son simplemente atmósferas y sugerencias: todo queda en la mente del observador.

No queda nada más que admirar la obra de la mujer de las mil identidades que se ve a sí misma como un lienzo en blanco en el que plasmar diferentes iconografías de la mujer. 




El arte de Mauricio Toro Goya

Nacido en Vallenar en 1970, Mauricio Toro Goya vive en Coquimbo (IV Región, Chile), donde ha desarrollado un importante trabajo como fotógrafo y como agente dinamizador cultural. Con estudios formales en Arte, Diseño y Fotografía, ha estado vinculado a esta última disciplina desde su niñez, pues fue en su propia casa donde tomó contacto con los procedimientos químicos e hizo su rito de iniciación en el cuarto oscuro.

Desde muy joven mantiene contacto con Sergio Larraín, el gran fotógrafo referencial chileno, quien pasó las últimas décadas en su exilio místico en el interior de la misma región. A través de un sostenido contacto epistolar, el chileno de Magnum ejerce sobre Toro Goya un papel de guía y maestro. Posteriormente, en México, perfecciona la técnica decimonónica del ambrotipo con el maestro Waldemaro Concha, antropólogo y fotógrafo.

Ha realizado más de 40 exposiciones, entre individuales y colectivas, en Latinoamérica y Europa, y ha publicado al menos 16 libros con su obra. Está considerado uno de los fotógrafos chilenos contemporáneos más interesantes y con una mayor proyección internacional.

La obra de Mauricio Toro Goya viene definida por dos constantes que se repiten a lo largo de sus series fotográficas: el uso de procedimientos antiguos, comúnmente el ambrotipo –que tuvo una gran vigencia entre 1852 y 1865-, abordados desde una lógica contemporánea, y el desarrollo de temáticas específicas que se manifiestan a través de puestas en escena de carácter alegórico.

Con una vocación revisionista de toda la tradición iconográfica latinoamericana, muy especialmente la de matriz religiosa, su obra se construye por una serie de elementos cuidadosamente elegidos que se entremezclan para elaborar una compleja crítica social, histórica, cultural, económica y política que pone en cuestionamiento y tensa los discursos hegemónicos.

A través del desnudo, la evocación ritual, el discurso político, la presencia a menudo desdramatizada y festiva de la muerte, la omnipresencia animal o los elementos propios de la cultura de masas y el consumo, su obra se hace cargo de la brutalidad y la violencia que esconden los procesos históricos que dan lugar a la identidad latinoamericana y a la conformación de las historias nacionales. La tradición oral popular, las leyendas, los mitos, las construcciones literarias están entre sus fuentes de inspiración.

En palabras del propio autor, su obra reflexiona "sobre la sociedad de forma innovadora usando recursos técnicos antiguos como base de su propuesta estética"







fuente: Galaxia Up

“Un artista debe ser un actor político en su obra, por lo tanto, en su discurso. No me interesa el arte que sólo navega en lo estético. Soy tan marxista como mariano, sincretismo o mestizaje, en esos caminos deambulo. El arte debe ser crítico, hay libertades asociadas al arte que muchos no aprovechan para manifestar su posición o mirada de lo que pasa en el país. La visualidad es el lenguaje actual, está en nues
tras manos saber usar esta herramienta con fines colectivos, políticos y sociales”.

Que decir de su obra... de todos los artistas que hemos visto en clase hasta el momento este es el que su obra más me ha fascinado. Su tecnica, los colores, la forma que investiga antes de comenzar el proceso de una nueva creación, donde plasma  claras referencias religiosas tales como políticas. Colores,  flores, texturas. Sin duda un trabajo excelente de un grande Chileno.