Saturday, June 17, 2017

Ecosofia



“La verdadera respuesta a la crisis ecológica sólo podrá hacerse a escala planetaria y a condición de que se realice una auténtica revolución política, social y cultural que reoriente los objetivos de la producción de los bienes materiales e inmateriales” - Felix Guattari
La ecosofía es un modo de estar en el mundo, de percibirlo. Un saber práctico que transforma nuestra conciencia y nos integra a la unidad de la vida, haciendo del sujeto-objeto-medio un continuo. Es también una ampliación de nuestra sensibilidad que implica un cambio de perspectiva, absolutamente necesario para superar las aparentes contradicciones que nos rodean. Como ves, no puede ser otra cosa que una profunda filosofía, un saber habérselas con las incertidumbres que nos depara la complejidad de nuestra existencia. Por eso, hablar del saber ecosófico es hablar también de buena educación, la que nos ayuda a autorrealizarnos en un medio respetuoso y responsable con las lógicas de lo vivo.

La ecosofía no descubre nada que no haya alrededor. Más bien lo reinterpreta, lo traduce en otro lenguaje, nos muestra una nueva visión sobre lo ya existente. Toma como base la ecología más profunda y nos ofrece una mirada en la que la tierra es nuestra casa y nosotros sus huéspedes temporales. Vivir la ecosofía se traduce, pues, en saber habitar el planeta, a retomar nuestro entorno y dotarlo de auténtica vida. Ello abarca desde el cuidado de un bosque, o de un animal, hasta la renovación de nuestras relaciones y pensamientos.

¿Por qué no queremos nuestro planeta? Aveces me pregunto. Si es nuestro hogar, nuestro refugio. Nuestra cuna de la cual nunca salimos y nunca lo haremos. 

Me incluyo en la pregunta. al dejar por ejemplo el agua corriendo mientras me cepillo los dientes.
Existen muchas acciones que probablemente hacemos día a día que dañan a nuestro planeta, sin intención o con intención.

Si damos un paso más allá de la ecología nos podemos encontrar con algo diferente, un nuevo espacio conocido como ecosofía. Una manera de pensar y de actuar que supera nuestro antropocentrismo para vivir en concordancia con la naturaleza. Gracias a esta filosofía nos daremos cuenta que pueden contaminar más nuestras palabras y pensamientos que la basura que generamos.

Si compartimos el conocimiento de que la tierra es un ser vivo que se autorregula, y aplicamos a ello la máxima filosófica que dice que ‘como es arriba es abajo’, lo lógico es pensar que nosotros funcionamos igual que el planeta y podemos autorregularnos. Sin embargo nuestra vida es una mezcla de estrés, dificultad para relacionarnos con nuestros semejantes y nuestro entorno, múltiples enfermedades psicosomáticas generadas por nuestra mente, pensamientos negativos, falta de realización en el trabajo... Y ante ello mucha apatía y poca acción. Algo que precisamente es el gran enemigo de esta nueva ciencia, porque "sin unir el conocimiento a la acción personal simplemente no será ecosofía . Acumular conocimiento no significa sabiduría. Ese es el giro que se pretende, la emergencia de un nuevo estado de conciencia que permita la autorrealización, el permanecer en la existencia dotándola de sentido". El futuro se presenta desde esta ecología profunda como esperanzador, porque pone en nuestras manos la posibilidad de un cambio de rumbo.



fuente: Fusión

7000 Robles por Joseph Beuys

Joseph Beuys, artista, profesor y activista político alemán. Nació en Krefeld el 12 de mayo de 1921. Con diecisiete años forma parte de las juventudes hitlerianas en el ejército del aire. Su trabajo aborda disciplinas tan aparentemente disímiles como la filosofía, ecología, política, arte, música, teatro, sociología, escultura, dibujo, video, poesía y otros en una amalgama diversa, rica y significante. 



Es un ejercicio muy saludable pensar cada acto como obra de arte. Beuys lo llevó a la práctica de muchas maneras. En Documenta 7, celebrada en 1982, propuso plantar 7000 robles, cada uno junto a una columna de basalto. Su acción tardó cinco años en completarse –se terminó un año después de su muerte, ocurrida en 1986- y transformó el panorama visual de la ciudad de Kassel.

Como en muchas otras instalaciones de Beuys, la obra hace coexistir dos texturas muy diferentes. En este caso, el árbol y el bloque de basalto. Gracias a los robles, la escultura se inserta en el ambiente, altera el espacio urbanístico –fue necesario diseñar dónde habrían de sembrarse- y se convierte en parte de la naturaleza. Gracias a las piezas de basalto, se conserva el evento como monumento. Las pequeñas columnas recuerdan la acción de Beuys, implican la idea de estar en presencia de una obra de arte e invitan a contemplar de un modo diferente el entorno. Sobre todo, los bloques de piedra funcionan como marcas que intentan propagar la conciencia sobre la necesidad de la repoblación forestal. 


La plantación de siete mil árboles de roble es sólo un comienzo simbólico. En este caso una columna de basalto metas futuras para el proyecto incluyen:

A) un esquema permanente de árbol la siembra se extienda por todo el mundo como parte de una misión global para efectuar el cambio ambiental y social "con el propósito de las actividades educativas

B) un crecimiento de la conciencia en el entorno urbano de la dependencia humana de la extensión educativa más grande de los ecosistemas

y C) un proceso continuo mediante el cual la sociedad se puede activar por medio de escultura social voluntad creadora humana 

Obras y actuaciones de arte Beuys no son acerca de entretener y divertir al público. Es un mensaje de despertar de la tradición, un reconocimiento de la totalidad sobre la base de un nuevo concepto de belleza que va más allá de la gratificación instantánea.


Yo no sólo quiero estimular a la gente, quiero provocarlos." (Bastian, Heines y Jeannot Simmental, "Entrevista con Joseph Beuys," en el catálogo de la exposición, Joseph Beuys, Dibujos, Victoria and Albert Museum, Westerham Press, 1983, sin folio)
Es un movimiento de la tradición, la espera y el establecido para una apertura incluyente. Completado en 1987 por su hijo, Wenzel, en el primer aniversario de la muerte de su padre (y se incluye en la Documenta 8), el proyecto está siendo mantenido por la ciudad.
  
Kassel hoy en día

fuente: Art Experience NYC

Beuys implicaba el arte con la vida: llevar el arte más allá de las galerías, desvanecer la importancia de la obra como objeto y proponer la construcción de un proceso colectivo como la obra misma. Su última obra, 7000 robles, logró convertirse en lo que él llamaba escultura social. Además, Beuys entendió el arte como sanación. En su obra hay un simbolismo ritual que funciona para intentar transmitir lo que no puede ser transmitido.

Crea conciencia ambiental. El autor dice que no quería proyectar un sentimiento a las personas, si no la grandeza de los robles, su solidez, su crecimiento lento con un tipo de madera muy sólida.
Las personas que pudieron apreciar la obra en dicho tiempo, sintieron  una expresión de futuro, que sea un esquema permanente, que la siembra de árboles se extienda por todo el mundo como parte de una misión globlal para efectuar un cambio ambiental y social.
Joseph quería provocar que las personas piensen, vean más allá, que no sea solo un detalle más para lasciudad, sino pensar en un mañana, en un ambiente sano para las próximas generaciones.

Keiichi Tahara


Fotógrafo japonés (nacido el 20 de agosto de 1951 en Tokio) muy reconocido por su fotografía de arquitectura y por sus esculturas de luz

Keiichi Tahara aprendió la técnica fotografía desde pequeño al lado de su abuelo, que era fotógrafo profesional.

En 1972, mientras viajaba por Europa con el Red Buddha Theater, donde era técnico de iluminación y visual, se encontró en Francia con una luz fuerte, dura y penetrante que nunca había experimentado en Japón y se quedó en París 30 años, comenzando su carrera como fotógrafo.

En su primera serie de trabajo Ville (1973-1976) capturó la luz única en París en fotografía en blanco y negro. Su siguiente serie Fenetre (1973-1980) le consiguió el premio al mejor nuevo fotógrafo en el Festival Internacional de Fotografía de Arles en 1977. Después siguieron Portrait (1978), Eclat (1979-1983) y Polaroid (1984) consiguiendo diversos premios incluido el Ihei Kimura en 1985. En Homo Loquence (1983) hizo retratos y entrevistas a artistas como Joseph Beuys y Pierre Klossowski. En 1988 obtuvo el Prix Nicéphore Niépce y en 1993 fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres en Francia.

Su enfoque morfológico a la luz se extendió a la escultura, las instalaciones, … En 1993, en el foso del Castillo de Angers, instaló la primera escultura de luz en Francia, Fighting the Dragon. Su obra más representativa es Jardín de Luz (Eniwa, Hokkaido, 1989), donde esculturas de luz están instaladas en un espacio público que está cubierto por un metro de nieve seis meses al año. La luz cambias en respuesta a la música y presenta un espacio de dimensiones poéticas.



Basado en el mismo concepto, en el año 2000, Echos du Lumières se instaló en el canal Saint-Martin, en París. Espectaculares colores emergentes de prismas iluminan la pared de piedra sincronizados con el sonidos.

Otras instalaciones permanentes al aire libre son Niwa (Jardín) en la Maison Européenne de la Photographie en París en 2001, la instalación Portrail de Lumiere como parte de la Capital Europea de la Cultura Lille 2004, y Escultura de luz en el Museo de Arte Metropolitano Teien de Tokio en 2004.

fuente: Cada día un fotógrafo 

Un particular y muy bien logrado blanco y negro en sus fotos me llama la atención. Y me encanta. La mayoría de sus fotos lo tiene y crea una atmósfera muy especial. Su forma de trabajar con las luces, sombras. Mostrar y no mostrar a la vez. 

Keichii Tahara muere este pasado 6 de Junio.




Gracias a Violeta, que nos dio tanto




El 5 de febrero de 1967, Violeta Parra se suicidó. Las razones tal vez nunca se sepan, pero su legado artístico permanecerá por siempre.

Violeta Parra es considerada un referente de la música popular chilena y que logró proyectarse al mundo. Cantante, poetisa, compositora, pintora, escultora, bordadora, ceramista y madre de cuatro hijos.

Desde pequeña se inició en el canto y en 1942 obtuvo el primer lugar en un concurso organizado en el Teatro Baquedano.

Viajó por todo el país y estuvo en contacto con la realidad social. Asumió la izquierda como postura política y se dedicó a indagar en las raíces de la música popular.

En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile y las comunidades mineras y recolectó las canciones anónimas que proyectó en un programa radial. Dos años después fue galardonada con el premio Caupolicán y ese mismo año contrajo matrimonio con Luis Arce.




Violeta viajó por varios países de Europa en la década de los 50 y a su regreso pasó por Francia donde grabó temas del folclore de Chile para el sello musical Le Chant Du Monde.

En 1964 logró una marca histórica al convertirse en la primera latinoamericana en exponer individualmente una serie de sus arpilleras, óleos y esculturas en alambre en el Museo de Artes Decorativas del Palacio del Louvre en una muestra titulada "Tapices de Violeta Parra"

En junio de 1965, Violeta regresó a Chile. A fines de ese año, en la esquina de avenida La Cañada con Toro Zambrano en la comuna de La Reina, instaló una gran carpa con el plan de convertirla en un importante centro de cultura folclórica, junto con sus hijos Ángel e Isabel y los folcloristas Rolando Alarcón, Víctor Jara y Patricio Manns, entre otros. Pese a su sueño de convertir la carpa en un referente para la cultura de Chile, la respuesta no fue muy motivadora y el público no la apoyó.



La muerte de Violeta Parra sorprendió a su familia y al mundo. Jamás imaginaron que la autora del tema “Gracias a la vida” se suicidaría.


archivo fotográfico: Taringa

“Me falta algo, no sé qué es. Lo busco y no lo encuentro. Seguramente no lo hallaré jamás”, manifestó Violeta a un periodista luego del lanzamiento de su último disco.

El 5 de febrero de 1967 Violeta Parra uso un revólver para quitarse la vida, algunos aseguran que fue víctima de una profunda depresión.

Gracias a la vida... un mensaje que quizás ocultaba algo más allá. Nadie pensó que Violeta se nos iría. Como el caso del fotógrafo Javier Perez, que fue tuvo la oportunidad de retratar a Violeta Parra días antes de su muerte. Donde ella le muestra, por primera vez y antes de hacer publica, su canción gracias a la vida.

Gracias a tí Violeta por tanto. Gracias por tu arte.




"Yo eligiría quedarme con la gente, es la gente la que me motiva a hacer todas estas cosas".




Caminata nocturna, Fray Andresito y más

En la última clase de estética salimos con el profe y los compañeros a caminar por ahí. La idea de salir a terreno me entusiasmó bastante (si es que no fui yo la que se lo propuso al profe) porque los alrededores de Arcos son lugares bien bonitos. Aunque de noche todo sea completamente distinto.

Siempre he pensado en el circo que comienza cuando termina la luz de día en la ciudad. Es como si todo cambiase, la gente, los colores, las voces y los sonidos.

Caminamos por San Antonio en dirección al norte. Hacía un frío horrible. Cabe destacar que yo pensaba que me gustaba el invierno pero ya no. Después de haber vivido en Canadá un invierno con temperaturas que no subían los -15 yo creía que el invierno de acá no me iba a hacer ni cosquillas... muy equivocada estaba porque no hallaba la hora en que llegaramos a un destino con calefacción inluida.

Vimos una escena muy bonita de unas palomas descansando en una ventana en un segundo piso. Sería una linda foto. El profe dijo. Lamentablemente no pude sacarla porque no andaba con mi cámara. Además creo que necesitaba un trípode.

Cruzamos el Río Mapocho. Mucha gente. Muchas culturas también. No entiendo a los Chilenos que palabrean a extranjeros mandándolos a su país. Que básicos. Que verguenza me dan.

Avanzamos más y ahora vamos con destino a una iglesia: La Recoleta Franciscana.

Nunca había entrado anteriormente, solo había pasado por afuera un par de veces caminando y en micro. El profe dijo que estaba abierta así que rápidamente entramos. Digo rápido porque creo que estaba corriendo mucho viento y teníamos frío. Al menos yo.

Era grande. Más de lo que pensaba. Porque las iglesias/catedrales siempre se ven gigantes por fuera y son aún más grande por dentro. Había gente. Estaban en misa.

Yo respeto todas las religiones. Creo que a mis 21 años aún no puedo definir bien mis creencias personales. Creo en mí, más que en nadie obviamente.

No me considero atea, pero tampoco religiosa. Mis papás tampoco lo son, nunca me bauticé ni hice la primera comunión ni esas niñerías que se hacen cuando uno es más chica. Pero si recuerdo haberle pedido a Dios alguna cosa. O decir el típico "gracias a Dios que... blablaba"

Bueno quizá todo este tema de las creencias y religiones tiene para otro post. Acá estamos hablando de nuestro paseo.

Entrando en la iglesia fuimos recibidos por velas. Mi instinto natural me hizo acercarme para tener un Con mis compañeros nos fijamos en las paredes. Todas rayadas y con mensajes, luego, veo en la pared un tal Fray Andresito. ¿Fray Andresito? pregunté, al tiro. Porque me causó mucha risa el "Andresito" y también porque pregunto todo, como una cabrachica, aunque tenga el celu con internet para googlear quien es.

Realmente no supe mucho de su vida, pero si caché que la gente le pide mucho, como a la mayoría de los santos.

Caminamos un poco más, tratamos de ser silenciosos (cosa que no creo que pasó) para no distraer a la gente de su misa. Aunque siento que igual nos odiaron. También me fijé en una escalera muy linda que estaba al otro lado, creo que lejos lo más lindo del interior. Me dieron ganas de subirla pero obvio que era imposible.



Para ser sincera, durante la mayoría de nuestra estadía en la iglesia me dediqué a sacarle fotos a los mensajes escritos en los muros. Y quiero compartir con ustedes algunos de mis favoritos.

"Fray Artesino" <3

nótese el Fran Andresito. Notable el papa Dioh.

Un lindo dibujito.
 ¿Pero quién fue Fray Andresito realmente?

Según la historiadora Araucaria Rojas, “el fraile se llamaba Andrés García Acosta, nació el 10 de enero de 1800 en las Islas Canarias, y desde entonces, su vida de migrante y trabajador, lo hicieron posarse en la Recoleta Franciscana de Santiago en 1839”.

"Cuentan que una vez logró curar a alguien de su ceguera mojándole los párpados con saliva”, cuenta la profesional. Otro de los milagros que se reconocen de él es que un día caminaba por la calle Santa Rosa pidiendo monedas, “cuando de repente un obrero que trabajaba en un andamio, se vino al suelo y Fray Andresito mirándolo le pegó un grito diciendo: ‘¡Despacito, hermano, despacito!’, y el obrero cayó liviano como pluma, salvando ileso”.
Para cargar aún más de misticismo la figura del religioso, la historiadora agrega que “hasta la actualidad su sangre ha permanecido milagrosamente licuada y sin signos de descomposición”.  Y se la adora en hospitales y casas de acogida como símbolo del milagro que puede cambiar nuestras vidas.

Me sorprende la admiración y veneración que tienen este tipo de personas en la religión. Igual sin intención de burla yo me quedo con los mensajitos de la gente. Y quién sabe, quizás en un par de meses iré yo a escribirle a Andresito que me ayude a pasar todos los ramos.

La estética de Cindy Sherman






Cindy Sherman (nacida el 19 de enero de 1959 en Nueva Jersey) nació con el nombre de Cynthia Morris Sherman y es una artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense.

Sherman es una de las representantes más importantes de la fotografía de posguerra en Nueva York, exhibió más de tres décadas de trabajo en el Museo de Arte Moderno.

Artista, fotógrafa, directora de cine estadounidense Al girar la cámara hacia sí misma, Cindy Sherman ha sido una de las fotógrafas más respetadas del siglo XX. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella, sin embargo, estas fotografías no son autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte.

Durante más de 35 años de carrera ha explorado los estereotipos y la cultura estadounidense desde una óptica femenina. Haciéndose pasar por un sinfín de personajes, examinan la construcción de la identidad, la naturaleza de la representación y el artificio de la fotografía. Para crear sus imágenes, asume las múltiples funciones de fotógrafo, modelo, maquilladora, peluquera y estilista.
Ya sea interpretando a una joven profesional, una rubia explosiva, una víctima de la moda, un payaso, o una dama de sociedad de cierta edad, esta implacable y aventurera artista ha creado un cuerpo de obra elocuente y provocador, que resuena profundamente en nuestra cultura visual.










Otro de los artistas que ocupa su propio cuerpo como manera de expresión en el arte. 

¿Algo que quizá va mucho de la mano con la personalidad? Al ver sus fotos me dieron muchas ganas de ir a una tienda de disfraces y vestirme para sacarme fotos. Quizá podría ser la Cindy Sherman chilena del siglo XXI. Jajajaja, bromas. Pero sin duda la performance de esta artista es una de mis favoritas. ¡Cada fotografía pareciera que fuera sacada de una película distinta!

La estrategia de Sherman es tremendamente eficaz: se refiere al tono y la atmósfera del cine negro sin copiar una película o escena en particular. Más aún, sus escenas son simplemente atmósferas y sugerencias: todo queda en la mente del observador.

No queda nada más que admirar la obra de la mujer de las mil identidades que se ve a sí misma como un lienzo en blanco en el que plasmar diferentes iconografías de la mujer. 




El arte de Mauricio Toro Goya

Nacido en Vallenar en 1970, Mauricio Toro Goya vive en Coquimbo (IV Región, Chile), donde ha desarrollado un importante trabajo como fotógrafo y como agente dinamizador cultural. Con estudios formales en Arte, Diseño y Fotografía, ha estado vinculado a esta última disciplina desde su niñez, pues fue en su propia casa donde tomó contacto con los procedimientos químicos e hizo su rito de iniciación en el cuarto oscuro.

Desde muy joven mantiene contacto con Sergio Larraín, el gran fotógrafo referencial chileno, quien pasó las últimas décadas en su exilio místico en el interior de la misma región. A través de un sostenido contacto epistolar, el chileno de Magnum ejerce sobre Toro Goya un papel de guía y maestro. Posteriormente, en México, perfecciona la técnica decimonónica del ambrotipo con el maestro Waldemaro Concha, antropólogo y fotógrafo.

Ha realizado más de 40 exposiciones, entre individuales y colectivas, en Latinoamérica y Europa, y ha publicado al menos 16 libros con su obra. Está considerado uno de los fotógrafos chilenos contemporáneos más interesantes y con una mayor proyección internacional.

La obra de Mauricio Toro Goya viene definida por dos constantes que se repiten a lo largo de sus series fotográficas: el uso de procedimientos antiguos, comúnmente el ambrotipo –que tuvo una gran vigencia entre 1852 y 1865-, abordados desde una lógica contemporánea, y el desarrollo de temáticas específicas que se manifiestan a través de puestas en escena de carácter alegórico.

Con una vocación revisionista de toda la tradición iconográfica latinoamericana, muy especialmente la de matriz religiosa, su obra se construye por una serie de elementos cuidadosamente elegidos que se entremezclan para elaborar una compleja crítica social, histórica, cultural, económica y política que pone en cuestionamiento y tensa los discursos hegemónicos.

A través del desnudo, la evocación ritual, el discurso político, la presencia a menudo desdramatizada y festiva de la muerte, la omnipresencia animal o los elementos propios de la cultura de masas y el consumo, su obra se hace cargo de la brutalidad y la violencia que esconden los procesos históricos que dan lugar a la identidad latinoamericana y a la conformación de las historias nacionales. La tradición oral popular, las leyendas, los mitos, las construcciones literarias están entre sus fuentes de inspiración.

En palabras del propio autor, su obra reflexiona "sobre la sociedad de forma innovadora usando recursos técnicos antiguos como base de su propuesta estética"







fuente: Galaxia Up

“Un artista debe ser un actor político en su obra, por lo tanto, en su discurso. No me interesa el arte que sólo navega en lo estético. Soy tan marxista como mariano, sincretismo o mestizaje, en esos caminos deambulo. El arte debe ser crítico, hay libertades asociadas al arte que muchos no aprovechan para manifestar su posición o mirada de lo que pasa en el país. La visualidad es el lenguaje actual, está en nues
tras manos saber usar esta herramienta con fines colectivos, políticos y sociales”.

Que decir de su obra... de todos los artistas que hemos visto en clase hasta el momento este es el que su obra más me ha fascinado. Su tecnica, los colores, la forma que investiga antes de comenzar el proceso de una nueva creación, donde plasma  claras referencias religiosas tales como políticas. Colores,  flores, texturas. Sin duda un trabajo excelente de un grande Chileno.

Zurita y el LAND ART

Surgida a fines de la década de los 60, está forma de hacer arte tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales que son transformados por el pensamiento y la acción del artista.

Con el objetivo de provocar en el espectador el máximo de emociones posibles, el Land Art realiza instalaciones en el paisaje haciendo que el trabajo interactúe con el medio ambiente.

En Chile, un hito de Land Art fue la obra realizada por Raúl Zurita, quien siempre ha incluido un componente visual, una estrategia intermodal de espacialización del texto a partir de obra plástica realizada por el propio autor que es registrada e insertada en el objeto-libro como parte del campo textual mismo. Desde poemas visuales a caligramas pasando por la inclusión de autorretratos fotográficos (e incluso escritura en braille en su libro INRI, el inverso de la visualidad.

La primera obra es un poema compuesto de 15 versos que se escribió en el cielo de Nueva York en 1982 mediante aviones que desprendían volutas de humo. El título del poema es «La vida nueva» y se publicó en Chile ese mismo año en el segundo libro de Zurita, Anteparaíso. «La vida nueva» es un tema recurrente en su escritura. El poema «La vida nueva» fue escrito en el cielo y fotografiado. Además el artista plástico chileno Juan Downey realizó un registro en video.





La segunda obra consiste en una escritura monumental, por sus dimensiones, realizada con máquinas retroexcavadoras sobre terreno desértico del norte de Chile, lo que nos remite a los bulldozers de los que habla Smithson. Para dar cuenta de la configuración de la obra citamos el texto explicativo de los agradecimientos del libro:

La escritura en el desierto que cierra el libro fue trazada en Atacama, a 56 km. al sur de Antofagasta, el año 1993, y tiene un carácter permanente. Su extensión total es de 3 km. Cada letra mide 250 m. Y el surco cavado bajo relieve, tiene 40 m. de ancho y una profundidad de l,80 m.

La obra es apenas legible desde algunos miradores y su punto de observación ideal es el cielo. Esto la pone en relación con las líneas de Nazca ubicadas en Perú.

El paisaje en las cercanías de la obra.



La escritura dice «ni pena ni miedo» y es el último verso de un libro de más de quinientas páginas titulado La Vida Nueva. La fotografía del verso fue incluida en la última página del libro, en blanco y negro y desplegada en dos caras opuestas.

Una increíble manera de dejar plasmada nuestra huella en la historia del arte y físicamente en nuestra tierra. Zurita a pesar de ser un increíble poeta nos enseña que puede ser un genio con las artes plásticas.

Raul Zurita



El año 1979 apareció un libro de poesía que desconcertó tanto a lectores como a críticos de la época: el texto se titulaba Purgatorio, haciendo alusión directa a La divina comedia de Dante. En la tapa, una foto en blanco y negro mostraba un acercamiento de la mejilla del autor -el poeta Raúl Zurita- con una profunda huella como depresión geológica, que era, finalmente, la cicatriz de una quemadura autoinfligida en su rostro. En la contratapa se leía: "Y ahora, Zurita, que rapado y quemado te hace el arte".

Este libro constituyó el primer paso de un proyecto de restituir la vida del autor -su mente, su cuerpo, su martirio- en la poesía, a la manera de Antonin Artaud y los postulados de André Breton en los Manifiestos surrealistas de 1924. Abolir los mal llamados contrarios, era la consigna de las primeras vanguardias que recoge Raúl Zurita, con otros poetas de la Generación del 1980, como Diego Maquieira, Gonzalo Muñoz y Carlos Cociña, entre otros, para forjar un movimiento que se conoció como "Neovanguardia" o "Escena de avanzada", y que, finalmente, fue una forma de resistencia al régimen totalitario de la época. Tal vez no haya un antes o un después de Zurita, pero su gesto, literario y artístico, constituyó un gesto radical y trasgresor no producido desde 1973.

Uno de los poetas apreciados en América Latina, por su percepción miticopoética y por su proyecto de reconstruir la voz tribal desde el salmo, la elegía, el versículo. Inscribe en su lenguaje un desgarrado grito interior, oscilando entre el credo y lo profano. Palabra cósmicamente situada; poesía que da cuenta del malestar del sujeto y su desajuste con la historia.

Estudió Ingeniería Civil en Valparaíso. En el puerto desarrolla, junto a Juan Luis Martínez y otros destacados escritores, una dinámica actividad poética a comienzos de los 70’. Hacia el final de la década sus acciones en protesta del orden imperante provocaron gran polémica: quemarse el rostro con ácido, masturbación en público e intentar cegarse. En 1982 escribió sobre el cielo de Nueva York el poema La vida nueva. Actos que intentan transgredir el signo lingüístico y expresar más allá de sus limitaciones.

La trilogía integrada por Purgatorio, Anteparaíso y La Vida Nueva, recorre los desiertos, playas, cordilleras, pastizales y ríos, en un tránsito por lo precario y lo doloroso que busca la redención.

Libros: Purgatorio (1979), Anteparaíso (1982), Canto a su amor desaparecido (1986), El amor de Chile (1987), Selección de poemas (1990), La vida nueva (1994), Poemas militantes (2000),Sobre el amor y el sufrimiento (2000). Obtuvo la beca Guggenheim y acaba de ser distinguido con el Premio Nacional de Literatura.

extracto de Memoria Chilena


ANTEPARAÍSO III (FRAGMENTO)

Allá va la que fue mi amor, qué más podría decirle 
si ya ni mis gemidos conmueven 
a la que ayer arrastraba su espalda por las piedras.
Pero hasta las cenizas recuerdan cuando no era 
nadie y aún están los muros contra los que llorando 
aplastaba su cara mientras al verla 
la gente se decía "Vámonos por otro lado'
y hacían un recodo sólo para no pasar cerca de ella 
pero yo reparé en ti, 
sólo yo me compadecí de esos harapos 
y te limpié las llagas y te tapé, contigo hice agua 
de las piedras para que nos laváramos 
y el mismo cielo fue una fiesta cuando te regalé 
los vestidos más lindos para que la gente te respetára.


Ahora caminas por las calles como si nada de esto
hubiese en verdad sucedido
ofreciéndote al primero que pase
Pero yo no me olvido
de cuando hacían un recodo para no verte
y aun tiemblo de ira ante quienes riendo te decían
"ponte de espalda' y tu espalda se hacía un camino
por donde pasaba la gente
Pero porque tampoco me olvido del color del pasto
cuando me querías ni del azul
del cielo acompañando tu vestido nuevo
perdonaré tus devaneos
Apartaré de ti mi rabia y rencor
y si te encuentro nuevamente, en ti me iré amando
incluso a tus malditos cabrones.

Cuando vuelvas a quererme
y arrepentida los recuerdos se te hayan hecho ácido
deshaciendo las cadenas de tu cuello
y corras emocionada a abrazarme
y Chile se ilumine y los pastos relumbren.


Un grande... Raúl Zurita es capáz de interpretar las ideas sobre la vida y la existencia humana que tenemos aquellos que no somos poetas... y que buscamos encontrar las palabras adecuadas para retratar el sentir más profundo del ser humano.

La poesía no es un lugar remoto al que uno tenga que llegar y detenerse, la poesía es un camino y para cada caminante tiene distintas circunstancias y vivencias. La poesía es ese lenguaje personal que difiere de la lengua común y que hace que fundes tu propio mundo



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Friday, June 16, 2017

La performance artística: Carlos Leppe




El artista Carlos Leppe compartió experiencias con los artistas de la escena de avanzada, posicionándose como un referente del arte chileno no sólo de la época de la dictadura, sino que también de los últimos 25 años. No es de extrañar entonces que el mundo de la cultura en Chile lamente esta pérdida no sólo por lo abrupta y anticipada, sino porque sus contribuciones a la producción artística no nos acompañarán más.

Carlos Leppe estudió Licenciatura en Arte en la Universidad de Chile en 1971, fue alumno de Carlos Altamirano y Eugenio Dittborn, con los cuales compartiría posteriormente trayectoria en la denominada Escena de Avanzada. Happening de Gallinas (1974) fue la obra con la que irrumpió en el mundo del Arte en Chile, quebrando toda relación estética con lo formal e institucional; convirtiéndose en un referente de la performance y el Body Art en nuestro país. Al mismo tiempo desarrolló un gusto por el video, que necesitaba para registrar sus acciones de arte, lo que lo llevó a perfeccionar esta técnica hasta convertirse en uno de los primeros videastas de Chile.


Se alejó de la normativa estética tradicional y exploró los límites de su propio cuerpo para sorprender y cuestionar al público. Formó parte de la escena de avanzada, pero su trabajo pretendía no sólo debatir sobre el estado político y social de Chile en los 70 y 80, sino que también investigar sobre su propia historia personal: los vínculos con su madre, su cuerpo y la sexualidad. Su carrera no sólo se enfocó en el arte y la performance también se ligó a otras áreas como la publicidad y la televisión, ejerciendo como director de arte y asesor de imagen para diferentes campañas políticas y teleseries.

fuente: Memoria Chilena

Del tema hablado anteriormente (post anterior) de los mencionados, Carlos Leppe es el que más me llama la atención. Al investigarlo más termino encontrandome con un increíble artista Chileno.

Sus cuestionamientos, su mirada y su juego con el cuerpo quedarán registrados por lejos, uno de los aportes más importantes a la historia del Arte chileno. Además de haber sido un precursor de nuevas formas de arte que no se conocían acá, como el body art y el videoarte. La forma en la que trabajaba con su cuerpo como medio principal para expresar su obra es algo que influencia a un montón de artistas, completamente revolucionario y personalmente es una de mis favoritas.


El perchero.

Piernas vendadas (1977)
Serie cuerpo/bandera (1980)

Molde para yeso

La escena de avanzada/Grupo CADA

No + (1983 - hasta el presente)
El golpe de Estado significó un grave trauma para la escena artística chilena. Hacia la mitad de la década del '60 el arte chileno se había desarrollado en dos frentes: uno que tiene una vocación más internacional y crítico, que recoge las experimentaciones del arte conceptual y de ciertas aproximaciones al arte póvera y otro que estaba más comprometido con el contexto político, en el que se jugaba la posibilidad de un gobierno de corte neomarxista, que finalmente llevaría en 1970 a Salvador Allende a la presidencia de la república. Frente a esto muchos artistas se comprometieron con la causa popular, con lo que la escena se identificó con un perfil izquierdista.

Con la llegada de la dictadura militar se impone un régimen de censura y persecución generalizado a los medios de prensa, repercutiendo este control muy particularmente dentro de la escena cultural local. En la plástica, esto provocó un retraimiento de los artistas chilenos, los cuales quedan limitados a una acción a nivel particular o en el exilio (en muchos casos autoexilio, como consta en varias crónicas privadas de la época). Sumado a esto, y como consecuencia de la intervención militar en las rectorías y direcciones universitarias a nivel general, se impulsó la política de privatización de la iniciativa artística, lo cual limitó el campo de exhibición de la plástica de vanguardia de la época a participación en algunas galerías privadas de corte experimental.

En un primer momento, después del golpe de estado, la producción artística se paraliza. Sólo después de que pasara la parte más brutal de la represión, hacia 1977, comenzaron a emerger los primeros asomos de una renovación artística. Las primeras señales provienen de un movimiento reflexivo del campo pictórico (la pintura había sido la directriz que guiaba el desarrollo del arte chileno) que ponen en cuestión su vocación más artesanal para llevarla a una más crítica. Acá se destacan artistas como Gonzalo Díaz Cuevas, Eduardo Garreaud, Roser Bru y Eugenio Dittborn.

LA ESCENA DE AVANZADA.
Definida fundamentalmente a partir de los escritos de Nelly Richard y, en el campo literario, de Eugenia Brito, la "escena de avanzada" se constituye en torno a un grupo heterogéneo de artistas de diversas disciplinas, cuya principal característica radica en una apuesta programática que busca modificar las estrategias discursivas del arte en Chile, vinculándolo -en cierto modo- a las corrientes neovanguardistas.

Situada en un punto de inflexión del desarrollo artístico y crítico-teórico del arte chileno, la "escena de avanzada" viene a poner en cuestión los supuestos discursivos y estratégicos en que las diversas áreas del arte se habían desarrollado hasta antes del Golpe de Estado de 1973, renovando de manera definitiva los campos escriturales y plásticos del arte nacional.
Luego de eso se produce una renovación más radical de los medios y recursos representacionales, que recogen experiencias internacionales como los del arte conceptual de los '60 y '70, y una alta sintonía con la acción de arte o performance, el body art, los happening y el land art. De este grupo se destacan los artistas del colectivo CADA.

Sigla del Colectivo de Acciones de Arte que realizó osadas intervenciones públicas a fines de la década del setenta y comienzos de los ochenta. Formado por la escritora Diamela Eltit, el poeta Raúl Zurita, el sociólogo Fernando Balcells y los artistas visuales, Lotty Rosenfeld y Juan Castillo. El grupo pretendía reaccionar en forma artística en contra de la institucionalidad vigente. Según el crítico norteamericano Robert Neustatt el CADA y sus acciones de arte, herméticas en apariencia para protegerse de la censura, asumió la representación del discurso de la oposición política de la época y a la vez, la crítica a los medios de representación.

Este grupo fue uno de los contribuidores mayores a la Escena de Avanzada, y en su trabajo incorporan estrategias teatrales y de performance como elementos esenciales de sus 'acciones de arte', mientras cuestionan las prácticas y las instituciones políticas, concibiendo el arte como una práctica social necesaria y erradicando la distancia tradicional entre el artista y el espectador. Comprometidos con la fundación de una práctica abierta y espontánea de 'espectacularización', sus 'intervenciones cotidianas' pretenden interrumpir y alterar las rutinas normalizadas de la vida diaria del ciudadano urbano, a través de una subversión semiótica que descontextualiza y reestructura semánticamente los comportamientos urbanos, las localizaciones y los símbolos.


Todos ellos compartían, entre otras cosas, la utilización de un lenguaje críptico y complejo, como un modo de evadir la censura del régimen. Esto requirió de la renovación de la crítica de arte. Se destacan en este aspecto críticos y teóricos como Ronald Kay, Adriana Valdés, Justo Pastor Mellado y Pablo Oyarzún. Pero la más determinante en este campo fue la teórica Nelly Richard, quien fue la que acuño el término de Escena de Avanzada, y cuyo libro Márgenes e Instituciones; arte en Chile desde 1973 es una referencia capital para el estudio del periodo.

A pesar de su corta vida, el CADA marca un punto de inflexión en el desarrollo del arte chileno, ya que en su accionar se materializa -aún cuando sea con ambivalencias- no sólo el viejo reclamo que busca derribar los muros que separan el quehacer del artista del quehacer del cuerpo social, como queda en evidencia cuando señalan, en uno de sus escritos: "cada hombre que trabaja por la ampliación, aunque sea mental, de sus espacios de vida, es un artista". También marcan el momento en que se intenta pasar de la simple lógica de resistencia -como estrategia artística imperante hasta ese momento- a la reivindicación político-programática, propia de las vanguardias.

Su última acción: "Viuda", se desarrolló en 1985, fue realizada sólo por Rosenfeld y Eltit, ya que los demás integrantes del colectivo estaban en el extranjero, contó además con la colaboración de Gonzalo Muñoz, Paz Errázuriz y la Agrupación de Mujeres por la Vida. En las revistas Apsi y Cauce, y en el diario La Época fue publicada la foto de una mujer con el rótulo "Viuda" y en algunas de las versiones podía leerse el siguiente texto:

"Traemos entonces a comparecer una cara 


Anónima, cuya fuerza de identidad es ser

Portadora del drama de seguir habitando

Un territorio donde sus rostros más

Queridos han cesado.

Mirar su gesto extremo y popular. Prestar

Atención a su viudez y sobrevivencia.

Entender a su pueblo".

completo aquí

No había escuchado acerca del grupo CADA anteriormente. Y me encontré frente a un grupo que aportó increíblemente en el ámbito artístico en mi país. Se sabe que Chile no es lo mejor de lo mejor. Especialmente después del motivo que los impulsó a realizar estas manifestaciones, acciones. Querer un cambio, Cuestionar nuestro entorno. ¡Arte en el espacio urbano en la ciudad!

Quizá hoy en día nos encontramos con algo parecido mediante colectivos.
 Siendo pioneros y rupturistas. No queda más que agradecerles por su aporte y huella que dejaron.



información de  Memoria Chilena

Rizoma.

En la filosofía la noción de rizoma fue desarrollada por Félix Guattari y Gilles Deleuze para denominar un modelo epistemológico en el cual todos los elementos están en condiciones de influir en los demás. Lo presentaron en la obra teórica que titularon “Capitalismo y esquizofrenia“, publicada en dos volúmenes: “El Anti-Edipo“, en el año 1972; “Mil Mesetas“, en 1980.

El modelo del rizoma describe elementos que no se someten a una subordinación de tipo jerárquico; por el contrario, no importa la posición recíproca de dos o más elementos: cualquier predicado que se afirme de uno de ellos puede incurrir en la concepción de los demás. En otras palabras, no posee un centro, algo que lo volvía muy atractivo para la semiótica, la teoría de la comunicación y la filosofía de la ciencia y de la sociedad de su época.

El nombre hace referencia a la noción de la botánica, ya que en estas plantas sus brotes pueden generar ramificaciones en cualquier parte o bien convertirse en un tubérculo o bulbo, sin que importe su posición en la estructura. Dichas características sirven para explicar el sistema cognoscitivo en el cual no existen puntos centrales, o sea afirmaciones o proposiciones de mayor importancia que las demás y que se apoyen en procesos estrictos de lógica o categorías rígidas.

Los autores señalan que el rizoma se conoce también con el nombre de antifundacionalismo, dado que no existe un número de primeros principios que deriven en la estructura del conocimiento sino que todos influyen de manera recíproca y la elaboran al mismo tiempo.

extracto de http://definicion.de/rizoma/

El rizoma no puede ser copiado, no puede ser reproducido porque no es estructural. Son una serie de acontecimientos, de agenciamientos. Es siendo a cada momento, no sido por la estructura. Rizoma son una serie de conexiones y proyecciones que no constituyen verdaderamente un sistema, no tiene una configuración lógica (principio de integración), no está compuesto por una serie de posiciones estructurales, sino por líneas que se proyectan hacia el afuera. ¿Pero de qué exterior se trata? Deleuze y Guattari aclaran que este dualismo sólo es estilístico; una limitación de nuestro lenguaje (lo rizomático no se sujeta a las ataduras del significante ni del concepto. Aquí las palabras pierden su significado y comienzan a estallar y, paradójicamente, a proliferar en sentido y poder desde el momento en que no se ligan a un contenido determinado pero se proyectan fuera de sus límites con la fuerza de la necesidad): “Si recurrimos a un dualismo de modelos es para llegar a un proceso que recusaría cualquier modelo.”

La misma definición de lo no estructural es rizomático, el hecho de hacer un manifiesto de la crítica, de aceptar la contradicción y de negarla.

sacado de La pera del olmo 




Rizoma es un concepto, una práctica, un proceso. Y como tal, trabaja en varios niveles, toma diferentes formas y, además, posee movimiento. Podemos decir que en tanto concepto éste tiene funciones epistemológicas y metodológicas. Pero en cuanto práctica es una apuesta ontológica de primer orden en la filosofía deleuziana, o sea, su existencia presupone el movimiento, lo múltiple y el devenir, por lo tanto, es más bien un proceso existencial en continuo desarrollo.


 En otras palabras, funciona como motor del pensar o como elemento para diagramar el pensamiento, y así mismo propicia que las labores conceptuales y perceptuales no sigan una línea unívoca o plana.

Ahora me pregunto... ¿será el universo un rizoma?

Thursday, June 15, 2017

G I L L E S D E L E U Z E


(París, 1925 - 1995) Filósofo francés de obra influyente en el arte y la literatura del último medio siglo, clasificado unas veces dentro del posmodernismo y otras en el estructuralismo. Fue profesor de filosofía de la Universidad de París. Como teórico ha desempeñado un papel determinante en el saber contemporáneo aunando en un mismo plano del análisis la filosofía, el arte, la literatura, la ciencia y otros discursos. Examinó la obra de escritores como F. Kafka, M. Proust, L. Sacher-Masoch, S. Beckett y otros.

Entre sus libros más importantes se cuentan Lógica del sentido (1969), El Anti Edipo (1972), escrito junto a F. Guattari, y Mil mesetas (1980). El primero intenta una teoría del sentido en sus límites paradójicos con el sin sentido; el segundo, una revisión o ajuste de cuentas con Jacques Lacan y con Sigmund Freud, coloca el psicoanálisis en la sociedad, dentro de la producción capitalista, y no como una escena simplemente familiar; Deleuze llama esquizoanálisis a su método, enfrentándolo al psicoanálisis. El tercero, Mil mesetas, es una suerte de continuación del Anti Edipo, desarrollando la teoría del "rizoma" en contraposición a otros órdenes del saber y de la vida de estructura más clásica.

Las teorías de Deleuze han influido tanto en el campo de la filosofía como en el de la creación. Su idea dinámica de la escritura (la desterritorialización de la lengua) ha incidido en poetas de distintas regiones, desde los language poets estadounidenses hasta los neobarrocos latinoamericanos, así como a escritores actuales de diversos géneros.



Su enfoque, junto a los de Michel Foucault y Jacques Derrida, generó lo que se conoce como "segunda generación" de la corriente estructuralista. Su idea del "concepto", por ejemplo, incorpora los "afectos", deslindando la abstracción de una nueva producción de sentido vinculada al placer. Este rasgo lo convirtió en un filósofo singular más abocado a la inventiva propia de un nuevo tipo de escritor-pensador que a la producción de un discurso abstracto o metafísico. Entendía la literatura más como un proceso abierto de "ensamblajes" y "conexiones" que como una obra orgánica en el sentido tradicional.

extracto de B&V

Cuando el profe habla de Deleuze lo hace parecer tan interesante (además de ser un experto en el tema) aunque no entienda casi nada en un comienzo. Creo que había mencionado en un post anterior lo complicado que podía llegar a ser la filosofía de este caballero (al menos para mí???) pero que tenía muchas clases por delante para indagar más.


Descripción gráfica.
Tuvimos el agrado de leer un poco acerca de su filosofía en unos textos que se nos entregó: El deseo según Gilles Deleuze, de las cuales destaco estas partes:

"La filosofía no es contemplación, tampoco es comunicación, es una creación, de la misma manera, que el arte lo es. Lo que el arte crea son nuevas relaciones con el mundo".

"Así como la pintura crea “perceptos” y la música “afectos”, la filosofía inventa “conceptos”. 

Y una de las que más me gustó y a mi parecer me dio mucho a entender:

No debemos desanimarnos. Nos encontramos ante un filósofo que nos explica cómo proceder: hay que acercarse a la filosofía como nos acercamos al arte. ¿Qué buscamos cuando vamos a una exposición o a un concierto? Esperamos que suceda un encuentro, que lo que vemos u oímos nos presente un mundo que deseamos capturar y hacerlo nuestro. Anhelamos poder decir ante un cuadro o un ritmo hasta entonces desconocidos: “¡esto es para mí, es mío!”. Y la vida se amplía y se hace más hermosa, porque gracias al arte resistimos frente a las opiniones corrientes, escapamos a la vulgaridad y al aburrimiento. 

Pueden leer aquí el texto: El deseo según Guilles Deleuze